大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于水彩丽2014作品的问题，于是小编就整理了4个相关介绍水彩丽2014作品的解答，让我们一起看看吧。
有人说“身材苗条的女人适合用国画描绘，身材丰满的女人适合用油画描绘”，你怎么看呢？
国画是中国的传统绘画，已有2000多年的历史。油画是源自西方的一个画种，也有600多年的历史。国画重写意，油画重写实。国画和油画是两个具有不同绘画工具材料不同技法和表现手法不同特点的绘画画种。
在我们看到的很多国画和油画作品中，不难发现，国画中刻画的女性形象大都身材窈窕，苗条清丽，杨柳细腰，亭亭玉立，像吴冠中、何家英的画都有这样的特点。而西方油画中的女性形象很多都是丰满圆润，肌肤柔厚甚或膀阔腰圆，臀厚腿粗者也不罕见。比如提香、鲁本斯、雷诺阿的作品。无论是国画中的苗条女人还是油画中的丰满女人，看上去都是非常的美。
于是在经意不经意间给人留下了一个印象，似乎国画适合表现苗条女人，油画适合表现丰满女人。其实不是这样的。我觉得国画和油画都具有很强的表现力，都具有塑造人物各种形态的能力，无所谓谁适合啥不适合啥，画啥就适合啥，苗条或丰满全在于画家的审美取向。
之所以会出现国画中苗条女性形象多，油画中丰满女性形象多的情况，不是画种的问题，也不是画技的问题，而是东西方文化及审美取向的不同所致。东方在多数时期特别是近现代时期是把苗条女性形象视为美的，这种大众趋同的审美取向必然要影响到绘画上，所以画家笔下以苗条女性居多。而西方注重自然状态下的人物形象，可能在某一时期还流行以胖为美，故而在油画创作中丰满女性形象比较多。
其实国画中也有一些丰满的女性形象。像唐代的一些仕女图等等。油画中也有不少苗条的女性形象。像布格罗的油画中的女性，几乎个个都是苗条的。还有一点就是，我们中国油画中的女性形象和国画一样，也是大都苗条，像陈逸飞、谢楚余、冷军、苏新等等很多中国油画画家的作品都是这样。这就说明，创作苗条或丰满的女性形象，不是画种画技的问题，而是审美取向的问题。
迎接中国艺术美神“诞生”！——女神节献礼
我要反问：“哪么，杨贵妃适合用国画描绘，还是适合用油画描绘呢？”
一种“固化”认知，加上审美趣味的“古董气”，贻误了我们的“艺术与美之神”的“诞生”！明清时期落伍于欧洲的，不仅有科技还有审美艺术。
西方油画早期其实也是很枯燥，各种中世纪神话人物，给人死板印象，只是随着文艺复兴运动，世俗审美压倒了神权禁欲，壁画雕塑都是***艺术，并且是一发不可收拾，技术上因为崇尚逼真模仿，愈来愈成熟，在照相技术未发明的时代，的确是绘画史上的奇迹。
所以有了这种，认为油画描绘丰满的美女，国画描绘苗条的美女的表面“成见”，根本不具备实质性，但容易误导国人的审美趣味，形成一种片面的“固化”认知，对中国艺术元素标签化，自以为是，这其实根本没有深入到艺术的本质！
似乎先秦时代的西施、毛嫱、骊姬，都是如同庄子描写的“邈菇射仙人，肌肤若冰雪，绰约若处子”，不食人间烟火，天然符合中国水墨写意的风格，顾恺之洛神赋里的仙子，“病美人”林黛玉，给我们的印象就是如此！但事实可能不是我们想象的那么飘渺。
古代中国人的美感趣味，也是随时代变化的，不是固定的某一类。
那么，从现在能看到的遗迹考察，敦煌壁画里灵动的“飞天”神女、仙真仕女，其实个个身材很丰满健美，甚至肉感十足。
这应该是最接近唐代人的生活实际面貌了吧！
你好，亲，很开心回答你的问题
亲的意思是，国画中的女性，以瘦为美，西方油画中的女性，以胖为美
纵观西方美术史，自文艺复兴时期，创作的宗旨是人文关怀，肯定人的价值和欲望
之所以画家画笔下的女人体，多是体态丰腴，丰满健硕的，因为正是丰满***的人体，肯定了人的***和情欲，所以画家喜好画丰满的形体
鲁本斯《维纳斯在镜前梳妆》
西方美术史上，现实主义画派之前，比如新古典主义画派，佛罗伦萨画派，洛可可画派，巴洛克画派，画家多是宫廷画家，所以创作是为了上流社会，皇宫贵族们服务
当时只有上流社会才有闲情逸致欣赏高雅的油画艺术，所以那时的油画，可以说是贵族的艺术
贵族们的生活都是雍容华贵的，奢华富贵的，画家创作为贵族服务，为迎合贵族们的审美口味，所以画中丰满健硕，圆润肉感的形体，正是贵族生活奢侈豪华，营养过剩，生活优越的暗示
国画的女人也有丰满的，唐朝美女的画作如《捣练图》、《舞乐屏风》。个人认为用书法形容身材则更形象：身材苗条的书法是“瘦金体”，身材丰盈的书法是“欧体”，身材婀娜多姿的是“行书”如赵孟頫行草。
《舞乐屏风》
《捣练图》
你认为谁的花鸟画画的最好？
这个问题问的比较广泛了，那我就说一下现代花鸟画家吧！陈之佛是中国近现代美术教育家、工艺美术家、中国画家。原名陈绍本、陈杰，号雪翁，浙江余姚人，1896年9月出生，毕业于杭州甲种工业学校，中国著名的近现代花鸟画名家，其图案的设计与笔法闻名海外，对中国花鸟画的发展做出了杰出而伟大的贡献。
中国古代花鸟画家非常多。唐宋以来从黄筌，崔白，赵佶。沈周，文征明。八大山人，徐渭。赵之谦，任伯年，吴昌硕，齐白石。
对中国花鸟画发展贡献最大的是宋徽宗赵佶。
格调神逸的是八大山人。
表现***最好的是徐渭。
技法精熟的应该是任伯年。
书画相融的是吴昌硕。
情趣生动的是齐白石。
近现代是中国花鸟画发展最好的时期，名家辈出。
我看画花鸟画最厉害的是宋徽宗赵佶，除了化工好之外，是因为他把整个北宋时期的工笔花鸟画推到了一个鼎锋的状态。其代表作是宣和画谱。我们可以细致的看一下它的瘦金体是那么受精体，我们再看一看芙蓉锦鸡图。从这里面的双勾重彩工笔花鸟画来看，里面的芙蓉，锦鸡，蝴蝶，菊花，画中的一枝一草一木，一叶是那么认真那么端详，而且栩栩如生。宛如从花间信步走来，你看到一个生动的自然界。《池塘秋晚图》那种精益求精的态度，那种悠闲和安然的境界又是一种高度。
作为三大画科之一的中国花鸟画，历史悠久，是民族艺术的瑰宝。花鸟画以其独特的绘画语言，随类赋彩，借以表达画家的思想感情和家国情怀，有一定的审美价值和社会意义。所以在当代，花鸟画得到了很多投资者和收藏家的青睐。许多名家的花鸟画都价格不菲，在拍卖会上屡创新高。
我个人喜欢并推崇的花鸟画大家有齐白石、吴昌硕和八大山人。
白石老人专长花鸟。他画了很多前人没有画过的题材：如苍蝇、蚊子、虾等等。白石老人以画虾闻名于世。他的草虫画也一样出名。
齐白石 贝叶草虫图
大自然界的花草，昆虫世界的各种昆虫，江湖河海里的鱼虾螃蟹，以及菜园子里常见的***、葫芦等等都成了白石老人画里的主角，被他化平凡为神奇，经他那极富创造力的写意功力，极尽精微，以形写神，为世人留下了一幅幅内涵丰富、雅俗共赏的传世佳作。
齐白石 玉堂
吴昌硕是清末海派四大家之一，是一位大器晚成的画家。他对诗书画印样样精通。他与人不同之处，是他独辟蹊径，以深厚的书法金石功夫入画，笔力雄健，浑厚古拙。后人赞叹他“笔能扛鼎”、“力透纸背”，对后世的影响极大。
吴昌硕 修竹临风
吴昌硕的花鸟画生机勃勃，浓墨重彩，柔韧含蓄、张弛有度。中国画坛上只有他真正的将诗书画印融为一体，已达到神化之境。
吴昌硕 高风艳色图轴
盛春之际，百花争艳你有什么好的诗篇？
春天是美好的季节，是百花争艳的季节。在这盛春之际，我献上一首小诗，希望你喜欢。
《春色》
春天是红花，
春天是绿叶，
春天是蝴蝶的翅膀，
春天是含苞待放的希望，
一声春雷，大地苏醒了，
一曲杜鹃吟，枯枝吐嫩芽，
青草满地，牛羊争闹春，
风和日丽，花草斗芳菲，
盛春之际，百花争艳！就拿出自己创作的几首春花盛开的诗，请友欣赏与指教！
《春水桃花》
春光荡影泛桃胭，
炫艳流红水动鲜。
涟波晃醉花仙子，
水岸桃魂两映翩。
原创_晨光无限
七律《桃花》
遍地春光满处荣，
铺天桃色傲园中。
昨夜风起，鼓起劲雨用力的敲打着窗。我从睡梦中惊醒！喝了一口水，就陷入了沉思。我想着昨天盛开的海棠，不由得我记起了李清照名句:“昨夜雨疏风骤，浓睡不消残酒。试问卷帘人，却道海棠依旧。知否？知否？应绿肥红瘦！”
书尽千年释梦华
昨日繁锦释梦华
夜风疏雨摧瓣下
惊梦千年今又现
绿肥红瘦海棠花
春天是写诗的季节，写诗是一个很神秘的工作。你看见一朵花，写一遍，这朵花就是你的了。
在三月的开头我首先遇到的是山杏花。山杏是山里人的花，我的家乡在山里，号称京城北极，春天最先开的花就是山杏花了，先是一枝两枝，然后就像水墨画一样晕开，一夜之间就是漫山遍野。山杏花一般都是洁白的 ，但花托是红色 ，像一个穿着红鞋子的白衣天使，来到了人间。
我看见今年的第一朵山杏花是在门前的山坡上。当时 我的感受是：一首诗找到了我。
七绝：山杏花
涂红偷日被云知，柳打山青趁雨时。 几次风呼春不在， 提鞋已上杏花枝。
杨柳依依的柳，总是在春天里最先被两个黄鹂叫醒。我记忆里的柳，绿在小时候上学的路上，上学要过一条河，没有桥，要踩着搭石过去，结冰的早晨很滑，不小心就要掉进河里，我之所以没有被冲走，全靠着河边的几棵柳树，看好距离，急跑过去，扑进柳的怀里就安全了。
到了四月柳花就开始放***飞，就是柳絮了，柳絮是另一种蒲公英带着***飞扬。扑得我满头满脸，我只好写下了她们。
七绝 ：再咏柳絮
舍柳为花忘带香， 提裙并脚学飞扬。 查无此絮疑留白， 为避风头散四方。
清明也是一朵花，开在四月的开头，开在中国人的骨头里。为什么说是骨头里呢，因为这是传承下来的风俗。千古不凋谢的花朵。
表现自然之美与万物哲理是艺术的宗旨吗？你怎么看？
艺术是按美的规律塑造艺术形象，以人为中心对社会生活和自然景观真实的客观反映。而“万物哲理”是属于哲学的范畴，不属于艺术的范畴。艺术的宗旨按美的规律用艺术形象性，反映人物形象、社会生活、自然美景，创作出深受人们喜欢的具有艺术价值的艺术作品。
一、艺术家要有慈母之心，热爱大自然、爱护大自然的一草一木。用自己的审美情感反映社会关系、人物形象、自然美景，用自己饱满的***谱写自然风光和社会生活中的壮丽诗篇。
二、自然是艺术创作的源泉，艺术是塑造自然景物的美，它们之间是相互联系的统一。艺术家要以满腔的热情投入大自然中去观察、体验、捕捉自然美的景象，例如山水花鸟、山川[_a***_]、园林田野等美景，用自己的艺术风格描绘自然景观的审美形象。
三、艺术家进行艺术创作，不但要有心怀对自然的热爱，而且还要有以自己的审美情感、艺术风格反映社会风尚、人们生活、自然景观的美，具有艺术价值的审美理想，才能创作出具有震撼力的艺术作品。
天地有大美却不会自己言说，春夏秋冬四季有明确的规律却不议论，万物有自身的道理也不会讲出来。圣人之所以叫做圣人，就在于他会根据天地之美而通达明晓万物的情实。历史上的那些至人、圣人，都很善于观察天地之美，而不自作主张。
天地富有最大的美，而世上最美的东西莫过于天地的造化。在庄子看来，一物自有一物的美，而人的审美在于能够识别出这一物的美。在《逍遥游》里，惠子说自己有一棵其丑无比的臭椿树，从来没有人眷顾它；又说有一个偌大无比的葫芦，不知道在哪里放置它。庄子则认为惠子不会使用它们，如果把臭椿树放在广漠之野，那么***都愿意眷顾它；如把葫芦放在江海之上，它就成为了***喜欢观瞻的景象。所以，一物之美，在于把它放在合适的地方，它的美就显露出来了。
庄子也不否认艺术之美，他也承认雕琢可以使一个原本不怎么美的东西变得美，只是他认为自然美是基本的美，艺术的美最终也还要回归到自然，无论艺术家如何使用匠心，都应当复归于朴，任何雕琢的痕迹都是对于美的扼杀。
由于人们总是持“仁者见仁，智者见智”的态度去分析理解艺术，以至于让人觉得艺术好神秘，何为艺术、艺术在表达什么、艺术的宗旨又是什么，等等一系列看似简单又复杂的问题，让那些艺术家及艺术爱好者一直在探索，问题来了：表现自然之美与万物哲理是艺术的宗旨？
表现自然之美与万物哲理是艺术的宗旨
如果艺术只表现个人的情感、表现生活中的现象，那就让人感到遗憾了啊，艺术的宗旨远远不只是表现这些，就像一个人的人生追求一样，不安于现状，这才是有所追求，才能体现生命的意义价值，艺术更是如此，表现自然之美与万物哲理才是艺术的宗旨，
“艺术”是一个抽象的概念，只能形象的去理解它，从不同层次大概的去理解，尽每个人自己最大的审美能力去了解艺术，可以这么说，审美能力和艺术修养决定了对艺术的认知，站的有多高，看的就有多远，所以说，艺术和人的精神境界相通，
之所以说，表现自然之美与万物哲理是艺术的宗旨，那是因为自然没有极限，万物之间息息相关，对自然的探索，对生命的探索，已经成为人类的一项伟大的使命，借助艺术“化繁为简”的表现形式，来解释自然之美与万物哲理，无非就是表达生命的价值，
简单地说，由于艺术可以有丰富的想象力和夸张的表现手法，而自然本身就是一个“生命体”，孕育着万物的生命，而人类在自然面前又显得微乎其微，人类却又是万物之首，创造了世界，这一切创造和艺术有关，我们可以通过艺术更方便深刻的了解自然，了解万物生命的意义价值所在，所以即便再复杂的东西，在艺术面前都会变得很简单。
到此，以上就是小编对于水彩丽2014作品的问题就介绍到这了，希望介绍关于水彩丽2014作品的4点解答对大家有用。
