大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于水彩日月刺青作品的问题，于是小编就整理了2个相关介绍水彩日月刺青作品的解答，让我们一起看看吧。
中国画的颜色与油画颜色，有什么不一样吗？
国画颜料和油画颜料的主要材质都是相同的，也就是俗话说的粉末。颜料分为矿物质颜料和化学颜料，油画、国画颜料大都是矿物质粉末，也叫土质粉末。它的优势是抗氧化性较强，画成后不易氧化变色。还有一部分是化学颜料容易变色。
国画颜料和油画颜料的主要不同是调和的介质不同，国画颜料是用水质的植物胶动物胶调制，绘画时也是用水稀释。油画颜料是用亚麻油调制，绘画时用松节油和亚麻油稀释。所以在排除画家艺术性和名气等因素的情况下，油画的材料成本较高。这就是油画较贵的原因。
丙烯颜料就是纯化学颜料，其粉末通俗的说就是塑料，性能更加稳定。颜色更加艳丽可以用水调和，完成的效果可以与油画媲美，也是不错的选择。
我学生的油画习作
画了十多年的画，对各类绘画材料非常熟悉，专业解读国画颜色和油画颜色的区别。
颜料的材质不同。
国画颜料多为矿物研磨颜料和植物提取的颜料。矿物颜料因为是从矿物质里提取，颜色鲜艳程度会低一些，相对厚重雅致的色感。植物颜料因从植物里提取，透明度比较高。油画颜料多为化工合成颜料。因颜料化学合成，添加油和胶混合而成，色彩光鲜亮丽，油润。
搭配的材料不同。
国画主要用宣纸，毛笔，清水等材料配合作画。宣纸吸水性强，绘画过程中稀释颜料，降低颜色饱和度，随着时间变化，纸和颜色都会褪色，颜色变得古朴厚重。油画主要是油画布，油画笔，调和油配合作画。调和油本身会增加颜色的饱和度，再加上画完油画后，作者都会刷一遍增亮油保护，所以颜色更为鲜明。
绘画的技法不同。
国画讲究意境。表现形式为写意和工笔，写意要求尽可能一次画成，工笔则正好相反，多次叠色画成。国画线稿多以重色起稿，所以为了画面和谐。因纸张作画，作者会先调和好低纯度色，再画到上面去。油画讲究具象写实。因用植物油调和，画布作画，所以颜色可以在画布上反复柔和，既保持了色彩亮度，又能达到想要的效果。
我是@美育大劈叉，希望回答能够帮到你，欢迎和我一起探讨艺术方面的知识。
两种颜色的相同点，就是以矿物质为基料。
国画的颜料，在过去使用起来是非常麻烦的，先把胶（骨胶和膘胶）化开，放入矿物质颜料，放在碟子里，用手指调匀。（这就是画国画用碟子的原因，当然是从前。）浓度合适就可以画了。
在国画儿的所有颜色里，加工程序最繁杂的，就是黑（墨）色了，历史上制墨最有名儿的，当属苏东坡。他亲自挑选材料，用好的松树枝提炼烟灰（锅底霜。可以入药），加入反复提炼的植物胶，再加入冰片麝香等香料药材（防虫防腐）所制造出来的墨，名噪一时。
油画颜料所不同的是，在矿物质里边加入的是橄榄油，更早前的画家，用鸡蛋清。调成膏状，装在罐儿里保存。
在现代的工艺里，加入了增稠剂，防腐剂，装在铅管里保存。
油画颜料里，最贵的当属紫罗兰颜色。当时，这种矿物质极难得，堪比黄金。（现在的紫罗兰是合成的）极少有画家用的起。用的最多的就是罗马教皇的肖像画。
现在的颜色，经过工艺的改进，合成的技术，种类繁多。发展出了丙烯颜料，水粉颜料，水彩颜料，国画颜料……
传统中国画的颜色与油画颜色有着很大的区别。首先是作画的颜料不同，中国画是以墨或者水彩为颜料作画的；而油画是以用植物油调和颜色而成的油质颜料作画的。因此，它们表现在画面上的画感就明显不同。中国画大多看上去素雅清淡，于宁静中透出一种高远幽深的意境，也体现出传统中国画在过去长期秉持的绘画理念。油画则大多色彩明艳，形象精致，特别是在人物写实创作上更具优势，给人一种形象清皙，精准透亮，“一目了然”的感觉。
公元十一二世纪，西方人发明了用植物油调和颜色的新型颜料，随之油画产生。油画的发明是西方绘画发展史上一次具有划时代意义的重大变革。十四世纪兴起的欧洲文艺复兴运动，以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、乔尔乔内、提香等为代表的绘画艺术大师又将油画的色彩运用发挥到极致，使油画中的主题形象更加鲜艳夺目，熠熠生辉，油画的优势越发突出出来。也使油画成为几百年来长盛不衰的世界上最大的绘画画种。
中国传统山水画
中国画在二十世纪引入西方油画技术以后发生了深刻变化。特别是画面的色彩感大大增强，“画味”更加浓郁，更加耀眼夺目。
如何欣赏山水画？
欣赏山水画，不论是写意、工笔、碧山水，浅绛山水，大写意山水，小写意山水，有泼墨山水，有焦墨山水，主要是能否提现高级的人文精神、绘画主题和绘画技法。
第一:看画家本人的艺术、人品学养，风格，个性，特色。画因人贵是社会对画家的一个肯定，画家有没有自己的独的艺术语言，风格是一个国画家有别于另一位国画家的特色所在，山水画是高于大自然的。是画家独与天地精神相往来的产物，它有个性，是很多年来形成的一种个性特点的东西，而不是表面上的张力、形式感。
第二，构图，笔墨，赋色。
- 经营位置：则是指构图，体现作品的整体效果。中国画也是历来重视构图的，它要讲究宾主、呼应、虚实、繁简、疏密、藏露、参差等种种关系。
- 笔墨，骨法用笔。作品的笔法、墨法、章法及色彩等。东晋顾恺之提倡的“以形写神”的表现客体的法则是一致的。山水画的气势，精神通过笔墨来表现， 好的画一定要有笔有墨。有笔法也要墨法，线条有肉无骨不行，有墨无笔也不行。任何好的笔墨技巧是为了表达意境或意趣服务的。
- 赋色：画好了，如意境不够，则需要赋色补救，山水画的好坏与色彩的应用颇有关系。中国画运用色彩同西洋画是不同的，中国画喜欢用固有色，即物体本来的颜色，虽然也讲究一定的变化，但变化较小。
第三，装裱。
- 三分画七分裱。山水画装裱得好能使画更有意境，更完美。装裱有手裱和机裱。山水画的装裱需要别出心裁，合理得体搭配裱件，常见的有纸，绫两大类。裱工都十分讲究。日本近代的裱工另有风味，对现代的裱画方式具影响力。好的装裱，能把一幅画衬托得更为精美悦目，名贵大方。
布局比例合理 ， 虚实景观协调， 浓淡有致贴近自然，层次分明三远目然，这是匠人的基本要求。
笔工细腻，远观近看无差异，实真，虚意，简洁，画像 是画匠的笔功。
山水画要画山像，画水像水画云像云要相互协调，密不可分，要从不同角度达到画看***看画儿的协调一致。
山水画要契合自然， 不要随意改变它的形和色，不要以意境为名粗制滥造。
一幅好的山水画，叫众人入眼入心，普通人都说好的作品一定是艺术。
作为艺术品的绘画创作是基于大众的审美而又高于大众，来源于生活又高于生活，绘画创作是一种审美创造与提升的艺术表达，它最起码具备三个特点：
1、绘画性。作品是画出来的、写出来的，而不是制作出来的；在构图上别有风味，笔墨、色彩的运用非常扎实、巧妙，有绘画感，画面气韵生动，意境幽远，开创不一样的审美视角，给人独特的审美体验。花鸟画有生气，人物画有神气，山水画有灵气。
2、独立性。画家不被政治、时尚、环境、金钱所左右，他不会为了迎合大众的喜好而轻易改变，坚持表达自己的审美观和时代感受，有独立的品格和审美价值观。
3、个性。也可以说是原创性，画家不***前人和自己，既继承传统、吸收别人的东西，又有自己在绘画语言、技法和符号上的个性表达，每一幅作品都是原创，但总体又有自己的风格。
张际才作品
中国画，因为自身是中国人的缘故，从小时侯我都称它为国画，而山水画是国画中的一个题材分类，在个人的观点上，无论写意或工笔或白描，内容以山、石、树、水、云、雪为主，以人、[_a***_]物、禽鸟、日月为附的都归为山水画，另外的分类就是花鸟、松竹梅兰、人物和动物。
如何欣赏?实话说一句，各花入各眼，每个人都有不同的审美观，不可苟同。打个比方，同样的一幅画，大画家-画匠-爱好者-未涉猎者的看法是肯定不同的，所以这个问题的回答，关健是欣赏者自身对国画的认知程度有多少，这里，我就从普通观众的角度谈谈个人的见解。
国画最重要的表达形式是“意"在先“形"在后，其发展过程一直都秉承了这一传统，50年代，学国画的专业加入了素描课程，褒贬不一，如今一些国画专业已取消了这个课程，今后如何定论，还有待专业界的实践论证，这里就不啰嗦了。说这些，就是强调一下国画是重意而轻形的。首先，欣赏的第一步是构图，好的构图，你第一眼感觉是舒服的，有一种心旷神怡、豁然开朗的即视感;第二是笔墨的变化和笔法的运用;第三是色彩的配合。最后，就是看题跋了，牡丹再好也须绿叶扶持，题字丑了，上好的作品也要打个折。上述这几方面，我认为是欣赏一幅中国山水画的最重要的元素，至于什么构图才是好的构图，如何用笔用墨，题跋书法的水平如何，就需要我们平时多接触历朝历代(可从宋开始)名家的名作，品味不同时代不同画家各有风格的作品，从中领会中国山水画的艺术境界，提高自己的审美标准，同时，有时间可参加一些书画班，掌握书画中的基本画法和笔法，这对提高自己对书画的鉴赏能力绝对是有帮助的。另外，个人觉得，中国画在近现代是有发展和进步的，而书法是在退步的，因此，大家在欣赏古代名家作品的同时，不要忘了欣赏近现代***们的作品。
以上为个人观点，理解浅薄，大家见笑了。
到此，以上就是小编对于水彩日月刺青作品的问题就介绍到这了，希望介绍关于水彩日月刺青作品的2点解答对大家有用。
